Swetlana Gerner

Geboren in Kyjiw, floh ich nach dem Zerfall der Sowjetunion mit meiner dreijährigen Tochter nach Frankfurt am Main. Meine Arbeiten wurden international ausgestellt, darunter zweimal in der Schirn Kunsthalle Frankfurt. 2024 erhielt ich den Preis „Frau schafft Raum“ in Wien, 2025 war ich Finalistin des Friedenspreises, verbunden mit einer Ausstellung im Museum des Stiftes Klosterneuburg. Weitere Ausstellungen fanden unter anderem in der Galerie Krinzinger, Sehsaal, Alte Schiebekammer, Galerie Kras, im Amtshaus Margareten, am Schillerplatz sowie bei den Rundgängen der Akademie der bildenden Künste Wien statt. Derzeit studiere ich an der Akademie der bildenden Künste Wien in der Klasse von Daniel Richter. Im kommenden Semester werde ich als Austauschstudentin an der Slade School of Fine Art in London studieren.

Mirjam Wydler

1993 – 2001

Studium der Bildhauerei an der Universität für angewandte Kunst in Wien bei Prof. A. Hrdlicka und Prof. G. Fassel

2001

Diplom mit Auszeichnung

Würdigungspreis des Bundesministeriums für Bildung, Wissenschaft und Kultur

2003

EU-Förderungsstipendium „Premiere“ für Absolventinnen der Universität für angewandte Kunst Wien

Mirjam Wydler lebt und arbeitet in Wien

Nach ihrem Studium konzentrierte sie sich auf das Malen von Bildern mit Farben auf Acrylbasis. Den Farben mischt sie Asche, Sand oder auch Zement bei. Durch das Auftragen vieler Schichten werden reliefartige Strukturen erreicht. Ihre wichtige Themen (ein Liebespaar, eine Frauenfigur, Pferde und immer wieder auch abstrakte Kompositionen) werden so über viele Jahre hinweg in drei Phasen bearbeitet: Als Bild, als Relief und als Skulptur. 

Mitunter sind die Übergänge fließend.

Judith Grosser

Seit 2026 Studium Kunst Uni Linz / Bildhauerei – transmedialer Raum

Seit 2017 Künstlerhausmitglied

2015 Gründung Atelier/Galerie

1989–1991 Modeschule Hetzendorf (Textil Klasse)

Virgilius Moldovan 

 Geboren 1955 in Stalin City (heute Brașov), Rumänien.

Studierte von 1975 bis 1979 an der Kunstakademie Klausenburg in Rumänien bei Prof. Andras Kos.

Lebt und arbeitet seit 1986 in Wien.

 Auszeichnungen 

-Goldene Medaille “Lorenzo il Magnifico” Sparte Bildhauerei, Kunstbiennale Florenz / Italien

-Biennale Austria, Heft in Hüttenberg, 3. Preis für Skulptur 

Öffentliche Ankäufe 

-Stadt Wien 

-Bundesministerium / Österreich

-Sammlung Essl, Klosterneuburg

-“Museum of Art Now” Beijing / VR China

-Albertina Modern / Wien

Arbeiten im öffentlichen Raum 

-Simandlbrunnen, Raasdorf, Niederösterreich

-Büste von Mihai Eminescu / Wien

-Karpfenbrunnen, Donauinsel / Wien

Judith Grosser 

Judith Grosser studiert auf der Kunstuni Linz Bldhauerei und transmedialen Raum.
In ihrer Serie EVA UND ADAM hinterfragt die Künstlerin Judith Grosser die autoritären Strukturen und dekonstsruiert die bestehenden Narrative. Das Werk GON FISHING ist an das Bild Adam und Eva von Lucas Cranach 16 Jh. angelehnt, jedoch fehlt hierbei die Präsenz des Gottes. Weitere Bilder der Serie sind auf nicht grundierten Kartons gemalt, die eigentlich das Abfallprodukt unsere Überflussgesellschaft ist. Kein Fresco, keine Holztafel – Judith Grosser holt die sakralen Narrative in den profanen zeitgenössischen Raum. 

Lutfa Mahmuda 

Lutfa Mahmuda born in Tangail, Bangladesh, is an artist who studied at Visva-Bharati University, Santiniketan, India. Her work reflects a deep sensitivity toward human emotions, social connections, and the environment. Combining elements of realism and abstract expressionism, her paintings emerge as powerful and thought-provoking visual narratives. Her artistic practice explores themes of identity, cultural heritage, and the impact of globalization. Through vibrant colors and intricate details, Mahmuda creates immersive compositions that activate viewers while encouraging reflection on the complexities of the contemporary world. She has taught art classes and conducted seminars internationally. She has held solo exhibitions supported by the Ministry of Foreign Affairs in Uzbekistan. Her artworks have been showcased in numerous countries, including Thailand, Japan, Indonesia, Nepal, the Maldives, Dubai, and China. Her works have been patroned by banks, international brands such as The Harmonist Parfum from Paris, various embassies, and corporate institutions. She has participated in major exhibitions including the SAYPA Award, International Art Biennale, Asian Art Biennale, National Art Exhibition by Bangladesh Shilpakala Academy, and the Silk Road Exhibition in Xi’an. In addition to her professional practice, she is a collector of works by renowned Indian artists such as Sanat Kar, K. G. Subramanyan, and Somnath Hore. 

Tajuddin Ahmed 

Tajuddin Ahmed (b. 1954) is a distinguished Bangladeshi contemporary artist whose career spans more than four decades. Born and raised in Old Dhaka, his early experiences of dense urban architecture, narrow alleyways, and active dockyards profoundly shaped his artistic vision. He graduated from the Faculty of Fine Arts, University of Dhaka, in 1980, emerging as a painter deeply connected to the social and cultural realities of Bangladesh. His early works were influenced by folk traditions and realistic urban landscapes. By the late 1980s, Ahmed shifted toward gestural abstract expressionism, where texture became a central element of his practice. Using thick layers of oil and acrylic on large canvases, he created richly tactile surfaces with a strong sense of physical depth. Bold brushstrokes and a palette ranging from muted earth tones to vibrant colors define his visual language. After migrating to Toronto, Canada, in 2008, Ahmed’s work developed a more reflective and introspective quality. Experiencing life as an outsider, he began exploring themes of solitude, memory, and belonging, often merging recollections of Dhaka with Canadian landscapes. His recent Faces series, created during the pandemic, marked a notable shift toward detailed miniature portraits that reflect human resilience and emotional endurance. Ahmed has exhibited widely in solo and group exhibitions across Europe, Australia, and beyond, establishing his position as a sensitive interpreter of the human condition. 

Sibylle Gieselmann

Sibylle Gieselmann, geboren in Karlsruhe, studierte in Wien auf der Hochschule für angewandte Kunst bei Oswald Oberhuber. 

Neben der Kunst arbeitete sie als Maskenbildnerin beim Film und später als Grafikerin-Designerin im Kunst- Kultur und Wissenschaftbereich.

Sibylle Gieselmann hat hier in der Galerie KRAS 2017 und 2018 ausgestellt.

Damals hat sie Poesie, Symbolik und Bewegung in alltäglichen Dingen aufgegriffen und diese sehr realistisch gemalt und gezeichnet. 

Die Beschäftigung mit Tieren war aber auch schon damals präsent. 2017 hat Sibylle hier eine Reihe von Hühnern gezeigt, auch schon mittels Linoldruck und Acryl auf Papier.

Diese Technik hat sie verfeinert und wir zeigen einen Teil ihrer Serie „Der weite Blick verengt sich“ die 2024/25 entstanden ist. Es handelt sich um Tiere aus allen Kontinenten dieser Welt, die vom aussterben bedroht sind. 

Inspiriert von Andy Warhols Serie „Endangered Animals“, die er 1983 geschaffen hat, stellt Sibylle mehr als 40 Jahre später, mit ihrer Werkserie, dasselbe drängende Thema in den Fokus.

Weiters sehen sie noch eine Reihe abstrakter Arbeiten, die einen neuen Weg in Sibylles Kunst zeigen. Weit entfernt vom Realismus sind in jeder Arbeit jedoch ein Moment des Erkennens zu finden.

Timur Tietze

Timur Tietze, geboren 1986 in Wien, beschäftigt sich in seiner künstlerischen Arbeit mit Beobachtung, Atmosphäre und Erinnerung. Ausgangspunkt seiner Arbeiten sind oft alltägliche Szenen, urbane Räume, Figuren oder Objekte, die durch Verdichtung von Licht, Farbe und Stimmung eine neue erzählerische Ebene erhalten.  

Seine Bildsprache bewegt sich zwischen Illustration, Malerei und grafischer Erzählung und ist geprägt von Einflüssen aus der europäischen Comictradition, klassischer Malerei sowie zeitgenössischer Pop- und Subkultur. Besonderes Interesse gilt dabei dem Spannungsfeld zwischen Intimität und Inszenierung, Nostalgie und Gegenwart.  

Tietze lebt und arbeitet in Wien und studiert seit 2025 Malerei an der Akademie der bildenden Künste Wien in der Daniel-Richter-Klasse. Neben seiner künstlerischen Praxis beschäftigt er sich intensiv mit visueller Kultur, Musik, Design und narrativen Bildformen.

Luisa Zay

Luisa Zay

strebt danach, die gegenständliche Welt aufzudecken und in ihrer reinen, geradezu schutzlosen Form darzustellen.

Fischdosen, Kondensmilch, Nudeln im Supermarktregal, Süßigkeiten in der Selbstbedienungsmaschine, das sind Momentaufnahmen, urteilsfreie gesellschaftliche Spiegelungen. 

Ob und welche Geschichten hinter ihren Arbeit verborgen liegen, entscheidet nicht die Künstlerin, sondern die Betrachtenden selbst. 

Sie arbeitet mit Öl auf Leinen, 

Ich habe beim Betrachten das Gefühl, dass Tempo ein wichtiger Aspekt ihrer Malerei ist, wodurch es nicht bloß abgebildete Gegenstände sind, die sie malt, 

sondern ihre Darstellungen eine authentische Sichtweise und Wiedergabe ihrer Wahrnehmung sind.

Ihre Persönlichkeit offenbart sich in ihren Arbeiten.

Sie hat 2014 Illustrationsdesign mit Schwerpunkt Zeichnen und Malerei an der Akademie für Illustration und Design in Berlin studiert. Seit 2018 lebt sie als Künstlerin und Illustratorin in Berlin, Kopenhagen und derzeit in Köln. Ihre Werke wurden bereits an verschiedenen Standorten auch international etwa in Taipeh, Köln, Bonn und Berlin, ausgestellt.

Claudia Christof

Ihre Arbeiten konterkarieren gesellschaftliche Tendenzen, die scheinbare „Perfektion“ zum Gebot der Stunde erheben. Sie verfolgt keinen Plan, keine Strategie, sondern gibt dem Zufall Raum, der zum Anlass ihrer Produktivität wird. 

Sie sieht nicht nur unendliche Grautöne zwischen Schwarz und Weiß, sondern geht einen Schritt zurück und entwickelt die Anordnung der Bilder aus diesem Zwischenbereich. 

Störendes, Fremdes, Unvollkommenes, wenn man so will „Handicaps“, interpretiert sie nicht im Sinne des Scheiterns. Im Gegenteil liefern diese Elemente den Anstoß zu immer neuen Transformationen des gesamten Werkes. 

Sie sind der Movens – ein Strich verändert das gesamte Bild. Demnach entziehen sich ihre Bilder einer eindeutigen Aussage, sowie eines abgeschlossenen Status. 

Sie sind nicht durch simples Schwarz-Weiß sondern durch Sowohl- als auch zu erfassen.  Sie möchte ihren Werken gesellschaftliche Wirkung und Bedeutung verleihen. 

In diesem Sinn sollen ihre Bilder aufrütteln, verstören und zu elementaren Erlebnissen werden.

Florian Leibetseder

1986-88 Ausbildung bei Mag. Stöbe und Frau Prof. Wessely (Hochschule für Angewandte Kunst, Klasse Prof. Weibel).

Das Malen erfordert einen besonderen Umgang mit der Zeit.

Das figurative Malen ermöglicht mir einen genaueren Umgang mit dem Material Farbe. Ich scheitere gerne an der glatten Oberfläche des Fotorealismus.

Die Bilder wachsen in mehreren Schichten. In der gezeigten Serie, habe ich nach Modellen und der Fantasie gemalt. Die Wirklichkeit zeigt mir eine Ahnung von Bildern. Die sprechen mich auf die eine oder andere Weise an und fordern mich auf, sie zu malen.

Es geht mir nicht um die Farben eines Fotorealismus, sondern um die Farben der Malerei. 

Judith Grosser

Seit 2026 Studium Kunst Uni Linz / Bildhauerei – transmedialer Raum

Seit 2017 Künstlerhausmitglied

Seit 2014 Freischaffend

2015 Gründung Galerie KRAS

2008–2009 Studium Kunstgeschichte

1989–1991 Modeschule Hetzendorf (Textil Klasse)

Meine Arbeiten befassen sich generell mit dem Menschen und speziell mit der Frau, mit der Entstehung des Seins aus heutiger Sicht.

Ich zerlege gerne meine Arbeiten oder auch Werke von alten Meistern und setze sie neu zusammen, die Bedeutungen verändern aus weiblicher heutiger Sicht. Ich lösche ich die ursprüngliche patriarchale Bedeutung  manchmal völlig.

Materialien wie Karton, Seife, Wachs, Leinwand, Holz und Stahl verbinde ich lose um sie wieder zu zerlegen und neu zu ordnen.

Ursprüngliche Ideen werden verworfen, neu gedacht, dann doch wieder ganz anders umgesetzt.

Die Verbindung von Malerei und bildhauerischer Arbeit bietet größtmöglichen Freiraum, manchmal ist das eine und manchmal das andere im Vordergrund bei meinen Arbeiten.

Die permanente Veränderung gibt mir Raum, das nicht Festlegen Freiheit.

Die Vergänglichkeit von Materialien ist ein Thema das mich interessiert, das restaurieren und Haltbarmachen, der eigenen Arbeiten, oder sie einfach dem Verfall preisgeben ist auch eine Frage von Raumkapazitäten.

Vom gemalten Bild arbeite ich mich zum Relief und Mosaik vor und arbeite mich immer mehr in den Raum hinein.

Eva Koller

Ist Textiltechnikerin, Kunsttherapeutin und beschäftigt sich seit 20 Jahren mit Bildhauerei.

Sie arbeitet mit Ton und Stein, auf künstlerische und kunsttherapeutische Weise. 

Im Mittelpunkt ihrer Arbeit stehen der Mensch, menschliche Gefühle, Beziehungen und Archetypisches. Die Arbeiten entstehen prozesshaft aus innerer Notwendigkeit.

Beobachtung und Begreifen führen zum Abstand zu inneren und äußeren Eindrücken und wirken so stabilisierend. 

Die Wahl der Materialien und Größe der Werke richten sich nach den zur Verfügung stehenden Ressourcen, Zeit und Raum sowie nach Intuition.

Katja Berger

Katja Berger geboren in Judenburg in der Steiermark, lebte 27 Jahre in Vorarlberg und nun seit 3 Jahren in Wien. Den Ursprung ihrer Arbeit findet sie Ende der 90iger Jahre in dem Bereich Fotografie und Collage. Von 2018 bis 2022 hatte Berger eine Residency im Exploration Space der Österreichischen Akademie der Wissenschaften. Ihre Werke wurden in Produktionen wie dem Ars Electronica Festival 2018 und Publikationen wie dem BioCultural Manifesto und Community Creates Mobiltiy Buch eingesetzt. 

Vor einigen Jahren erweiterte sie ihr künstlerisches Spektrum auf die Ölmalerei. Werke von ihr sind in der Sammlung des Vorarlberg Museum zu finden.

Die formalen Ausdrucksmittel, die Berger einsetzt, wirken teils naiv, teils plakativ, märchenhaft illusionistisch und kindlich. Ihr persönlicher Stil ist unverwechselbar, auch wenn Einflüsse des sogenannten „Bad Painting“ von Künstlern wie Philip Guston und Nicole Eisenman erkennbar sind. Die hier gezeigten Arbeiten laden dazu ein, die eigenen Träume und inneren Welten zu erforschen und zu reflektieren.

Dabei vermittelt sie eine einzigartige Perspektive auf das Ausgelassene und Verspielte.